Mijn Walk-in kunst depot  (NL)

Ontdek mijn walk-in kunstdepot op -1, een schatkamer vol hedendaagse kunst. Laat mij je leiden door de collectie en ontdek nieuwe en onbekende kunstenaars. Heb je interesse in een specifieke kunstenaar? Ik begeleid je niet alleen door de galerij, maar ook in het kunstdepot. Wellicht kan ik je ook adviseren over hoe het kunstwerk in jouw persoonlijke interieur past. Hieronder vind je de namen van de kunstenaars die je in het depot kunt vinden. We tonen niet onze volledige collectie op de website; het is beter om de kunst persoonlijk te beleven of een voorproefje te krijgen op onze Instagram-pagina.

My Walk-in kunst depot  (EN)

Explore my walk-in art depot on -1, a treasure trove of contemporary art. Let me guide you through the collection and discover new and unknown artists. If you have an interest in a specific artist, I'll not only guide you through the gallery but also through the art depot. Perhaps I can also offer advice on how the artwork fits into your personal interior. Below you will find the names of those who can be found in the depot. We do not showcase our entire collection on the website; it is better to experience the art in person or get a sneak peek on our Instagram page.

Jordi Soler - Hyperrealisme painting -

 

NL: Getalenteerd schilder Jordi Soler, geboren in Barcelona in 1974, studeerde illustratie aan La Llotja (School voor Toegepaste Kunsten). Zijn oeuvre kenmerkt zich door een verfijnde techniek van realisme met een subtiel humoristische ondertoon. Soler's buitengewone en unieke creaties laten niemand onverschillig.

 

De titel "Hic et Nunc," wat 'Hier en Nu' betekent, verwijst naar het belang van aanwezig zijn in het huidige moment, zowel in fysieke ruimte als in de voortgang van de tijd. Het benadrukt het belang van volledig aanwezig zijn in het nu, waar we contact kunnen maken met onze zintuigen en ons bestaan kunnen vormgeven. In deze ruimte hebben we de capaciteit om onze emoties en de inhoud van onze gedachten waar te nemen zonder eraan vast te houden.

 

EN: Talented painter Jordi Soler, born in Barcelona in 1974, pursued his studies in illustration at La Llotja (School of Applied Arts). His body of work is distinguished by an exquisite technique of realism coupled with a subtle humorous undertone. Soler's extraordinary and unique creations captivate all who encounter them.

 

The title "Hic et Nunc," translating to 'Here and Now,' suggests the significance of being present in the current moment, both in physical space and the unfolding of time. It emphasizes the importance of fully inhabiting the present, where we can connect with our senses and shape our existence. In this space, we have the capacity to perceive our emotions and the content of our thoughts without clinging to them.

Frank van Driel - Fotografie -

 

NL: Frank van Driel (Leiden, 1966), internationaal bekend om zijn gebruik van 'Dutch Light' in stillevens, portretten en klassieke naakten, introduceert een nieuw genre met zijn tentoonstelling 'to be frank'. Dit genre is ontstaan uit de serie die hij tijdens zijn 'artist-in-residence' periode in Italië in 2018 heeft gemaakt, waar hij voor het eerst naakten en stillevens op een subtiele manier combineert met 'straight photography'.

Geïnspireerd door 17e-eeuwse Vlaamse en Nederlandse meesters creëert Frank van Driel fotografische kunst waar verleden, heden en toekomst met elkaar verweven zijn. Met zijn tentoonstelling 'to be frank' laat Van Driel zien waar hij voor staat: 'Als je altijd doet wat je altijd hebt gedaan, krijg je altijd wat je altijd hebt gekregen' (Henri Ford). Van Driel gebruikt storytelling, waarmee de kijker inzicht krijgt in zijn wereld van ervaring.

Het autonome werk van Frank van Driel is gepresenteerd in musea in zowel Nederland als in het buitenland, evenals op kunstbeurzen zoals KunstRAI, PAN Amsterdam, Rotterdam Contemporary en TEFAF Maastricht. Zijn werk heeft internationale prijzen ontvangen en maakt deel uit van particuliere en bedrijfscollecties. Alle werken zijn individueel gesigneerd en genummerd en worden altijd geleverd met een certificaat van echtheid.

 

EN: Frank van Driel (Leiden, 1966), internationally known for his use of 'Dutch Light' in still lifes, portraits and classic nudes, introduces a new genre with his exhibition 'to be frank'. This genre originates from the series created during his ‘artist-in-residence’ period (Italy 2018), where he combines nudes and still lifes in a subtle way for the first time using 'straight photography’.

Inspired by 17th century Flemish and Dutch masters, Frank van Driel creates photographic art where past, present and future are intertwined. With his exhibition 'to be frank' van Driel shows what he stands for: 'If you always do what you've always done, you'll always get what you've always got' (Henri Ford). Van Driel uses storytelling, which gives the viewer insight into his world of experience.

The autonomous work of Frank van Driel has been presented in museums both in the Netherlands and abroad at art fairs such as KunstRAI, PAN Amsterdam, Rotterdam Contemporary and TEFAF Maastricht. His work has received international awards and is part of private and corporate collections. All works are individually signed and numbered and always accompanied by a certificate of authenticity.

 

Severine Loisel - Abstract-

 

NL:Uitvinden en beschrijven: een schat ontdekken en je innerlijke zelf op het doek leggen met verf. Dit is de artistieke reis die Séverine heeft ondernomen, waarvan haar kindertijd werd verlicht door het kustlicht van Bretagne. Geïnitieerd in de wereld van schilderen door haar grootvader op jonge leeftijd, vond Séverine puur plezier in het experimenteren met kleuren, een vreugde die tot op de dag van vandaag weerklinkt in haar kunstwerken. De invloed van haar grootvader blijft haar inspireren, zichtbaar in de explosie van kleur en serene beelden die de ziel kalmeren.

Séverines artistieke opleiding leidde haar naar de studie van grafiek en sierlijke schilderkunst aan het Institute Van der Kelen in Brussel. Hier dook ze in eeuwenoude methoden, leerde ze traditionele materialen aanraken, bewerken en imiteren. Na een periode gewijd aan opdrachtwerken voelde ze een natuurlijke en noodzakelijke drang om haar individuele expressie te vinden.

Kleur komt naar voren als de krachtbron in het werk van Séverine, terwijl ze experimenteert met verschillende onderwerpen: bewegende dieren, onderwaterwerelden en landschappen. Het keerpunt komt met abstractie, waar ze afstand neemt van traditioneel figuratief werk. In deze nieuwe expressie komen kleur en vorm samen om haar innerlijke visie op de natuur en haar elementen te vertegenwoordigen. Séverines kunst wordt een doek van emoties, een getuigenis van haar diepe verbondenheid met de wereld die ze portretteert.

 

 

EN:To invent and describe — to discover a treasure and lay bare your inner self on canvas with paint. This is the artistic journey undertaken by Séverine, whose childhood was bathed in the coastal light of Brittany. Initiated into the world of painting by her grandfather at an early age, Séverine found sheer joy in experimenting with colors, a joy that resonates in her artwork to this day. Her grandfather's influence continues to inspire her, evident in the explosion of color and serene images that soothe the soul.

Séverine's artistic education led her to study graphics and ornamental painting at the Institute Van der Kelen in Brussels. Here, she delved into ancestral methods, learning to touch, work, and imitate traditional materials. After a period dedicated to commissioned works, she felt a natural and necessary pull to discover her individual expression.

Color emerges as the powerhouse in Séverine's work as she experiments with different subjects—moving animals, aquatic worlds, and landscapes. The turning point arrives with abstraction, where she departs from traditional figurative work. In this new expression, color and form come together to represent her inner view of nature and its elements. Séverine's art becomes a canvas of emotions, a testament to her profound connection with the world she portrays.

Thomas de Marsay - Paintings from the 40ts 50ts 60ts  -

 

NL: Geboren in Jaén, Spanje, in 1965, verhuisde de Marsay op jonge leeftijd naar Barcelona. Daar raakte hij betrokken bij de artistieke wereld van de stad en werd verliefd op Catalaanse en Spaanse schilders zoals Fortuny, Casas en Picasso. Vanuit Barcelona trok Thomas naar Madrid om Velazquez te bestuderen en uiteindelijk naar Parijs, waar hij woonde en zich verdiepte in de Franse schilderkunst. De Marsay woont en werkt nu in Sitges, Spanje.

De Marsay portretteert iconische personages — superhelden, beroemdheden uit de jaren 50, bekende filmpersonages en crooners. Hij geeft zijn zorgvuldige schilderijen textuur met delicate penseelstreken, waardoor zijn verwijzingen naar popcultuur en kunstgeschiedenis een aangrijpende intimiteit krijgen. Zijn kunst is een samensmelting van Spaanse, Catalaanse en Franse invloeden, en creëert zo een unieke mix die zijn diverse artistieke reis weerspiegelt.

Met zijn focus op iconische personages en zijn verfijnde penseelwerk overbrugt de Marsay de kloof tussen culturen en tijdperken, en creëert hij een visuele dialoog die resoneert met kijkers op een persoonlijk en nostalgisch niveau.

 

EN: Globetrotter and artist, Thomas de Marsay, was born in Jaén, Spain, in 1965. His journey in the world of art began when he moved to Barcelona at a young age, immersing himself in the city's vibrant artistic scene and developing a profound admiration for Catalan and Spanish painters like Fortuny, Casas, and Picasso. Eager to expand his artistic horizons, de Marsay moved to Madrid to delve into the works of Velazquez and later to Paris, where he delved into the realm of French painting.

Currently residing and working in Sitges, Spain, de Marsay draws inspiration from various cultural influences. His artwork is a fusion of Spanish, Catalan, and French artistic elements, creating a unique blend that reflects his diverse artistic journey.

De Marsay's artistic focus revolves around portraying iconic characters — superheroes, 50s celebrities, famous movie characters, and crooners. His meticulous paintings are textured with delicate brushstrokes, infusing his references to pop culture and art history with an affecting intimacy. Through his art, de Marsay bridges the gap between cultures and eras, creating a visual dialogue that resonates with viewers on a personal and nostalgic level.

Myriam de Lafforest - Bronz sculptures -

 

NL: Myriam is opgroeit in een familie van schilders, schrijvers, en fotografen legde de basis voor een diepgaand begrip van de betekenis van kunst in het leven. Deze vroege blootstelling beïnvloedde haar interesse in tekenen, evenals haar studies van piano en fluit aan het conservatorium.

Op 10-jarige leeftijd ontdekte Myriam de beeldhouwkunst door de werken van grootmeesters Rodin en Camille Claudel, wat een diepe indruk op haar maakte. Door in de levens en werken van beeldhouwers te duiken, begreep Myriam dat de sculpturen veel geheimen over de persoon bevatten. Deze cruciale connectie tussen kunst, beeldhouwkunst, en psychologie zou haar artistieke reis vormgeven.

Na het voltooien van haar proefschrift in de psychologie leidde Myriams pad haar naar Spanje, waar ze opnieuw in aanraking kwam met beeldhouwkunst, ditmaal onder leiding van Salvador Manosa, een gerenommeerde Catalaanse beeldhouwer die haar mentor werd. Onder zijn leiding verfijnde ze haar vaardigheden gedurende meerdere jaren, waarbij ze zijn technieken overnam en ze vermengde met haar unieke stijl en talenten.

Vandaag de dag exposeert Myriam niet alleen haar beeldhouwwerken in heel Europa, maar werkt ze ook als kunsttherapeut voor kinderen, tieners, en volwassenen die uitdagingen het hoofd bieden. Haar therapeutische benadering integreert haar kennis van kunst, beeldhouwkunst, en psychologie. Werkend vanuit haar atelier in het hart van het Catalaanse platteland, beschouwt Myriam kunsttherapie als een middel van creatie dat individuen leidt naar zelfontdekking en verzoening met het leven. Ze ziet kunst als een prachtige brug tussen geleefde ervaringen en de ware essentie van een persoon, waarbij ze benadrukt hoe belangrijk het is dat deze circulatie plaatsvindt in dit transformerende proces.

EN: Myriam's upbringing within a family rich in painters, writers, and photographers fostered a deep understanding of art's significance in life. This early exposure influenced her interest in drawing, as well as her studies of the piano and flute at the conservatory.

At the age of 10, Myriam discovered sculpture through the works of grand masters Rodin and Camille Claudel, leaving a profound impression on her. Delving into the life and works of Camille, Myriam realized that the sculptures held many secrets about the woman herself. This realization marked a crucial connection between art, sculpture, and psychology that would shape Myriam's artistic journey.

After completing her thesis in Psychology, Myriam's path led her to Spain, where she encountered sculpture once again, this time under the guidance of Salvador Manosa, a renowned Catalan sculptor who became her mentor. Under his tutelage, she honed her skills over several years, inheriting his techniques while infusing them with her unique style and talents.

Today, Myriam not only exhibits her sculptures throughout Europe but also works as an art therapist for children, teenagers, and adults facing challenges. Her therapeutic approach integrates her knowledge of art, sculpture, and psychology. Operating from her studio nestled in the heart of the Catalan countryside, Myriam views art therapy as a means of creation that leads individuals to self-discovery and reconciliation with life. She sees art as a magnificent bridge between lived experiences and one's true essence, emphasizing the importance of its circulation in this transformative process.

Joachim Seitfudem - Wood & Bronz sculptures -

 

NL: Hout beeldhouwer Joachim Seitfudem (Starnberg, 1987) groeide op in een kunstenaarsfamilie, waar zowel zijn vader als moeder respectievelijk beeldhouwer en schilder waren. Aanvankelijk wilde hij niets met het artistieke beroep te maken hebben - integendeel, hij probeerde er lange tijd van weg te blijven. "Maar kunst is als een ziekte, het zit in je en op een gegeven moment breekt het uit."

Zijn werken zijn zeer persoonlijk. In zijn beeldhouwwerken verwerkt Seitfudem zijn ervaringen, gedachten en avonturen. Na de dood van zijn moeder en een gevangenisstraf voor zijn betrokkenheid bij een overval en drugsmisdrijf, ontwikkelde hij een nieuw besef van tijd, vrijheid en dood. "Achteraf gezien heb ik juist door deze tragische ervaringen mijn ware potentieel ontdekt."

Joachim Seitfudem over zijn kunst: "Ik doe wat ik leuk vind, wat ik nog niet eerder heb gezien. Het kan me niet schelen of anderen het mooi vinden. Het doel is dat het intrigeert, of het nu positief of negatief is." "Recentelijk probeer ik nieuwe technieken en materialen te verkennen. Mijn nieuwe beeldhouwwerk 'Afstand' laat mijn bronstechnieken zien. Het werd gemaakt tijdens de eerste coronapandemie, toen mensen zich van alles en iedereen moesten distantiëren. Het beeldhouwwerk toont aan dat elke mens - ongeacht hun afkomst - verlangt naar nabijheid en aanraking. In wezen hebben we allemaal dezelfde verlangens."

 

EN:  Wood sculptor Joachim Seitfudem (Starnberg, 1987) grew up in a family of artists. His father is also a sculptor, his mother was a painter. He never wanted to pursue the artistic profession - on the contrary, he tried to distance himself from it for a long time. "But art is like a disease, you have it in you and at some point it breaks out of you." His works are very personal. In them Seitfudem processes his experiences, thoughts and adventures. After the death of his mother and a prison sentence for his involvement in a robbery and a drug crime - he developed a new sense of time, freedom and death. "In retrospect, it was only through these tragic experiences that I discovered my true potential." Joachim Seitfudem on his art "I do what I like, what I have not seen before. I do not care if others like it. The intent is that it intrigues, whether it is positive or negative.” “Recently I have been trying to explore new techniques and materials. My new sculpture 'Distance' shows my bronze techniques. It was made during the first corona pandemic, when people had to distance themselves from everything and everyone. The sculpture shows that every human being - regardless of their origin - craves closeness and touch. In essence, we all have the same desires.”

Walter Celis - Marmble sculptor -

 

NL: Beeldhouwer Walter Celis begon zijn artistieke carrière als tekenaar en schilder na het voltooien van zijn academische opleiding. Al snel ruilde hij potlood en gum in voor hamer en beitel. Zowel zijn vader als grootvader gebruikten dezelfde gereedschappen, wat ongetwijfeld bijdroeg aan de overstap naar driedimensionale kunst in steen en brons.

Walter heeft zijn atelier in Antwerpen, gelegen in een populaire buurt, wat resulteert in creaties die gedijen op het uitzicht op de stad. In zijn atelier vind je voornamelijk ruwe blokken Italiaans en Belgisch marmer. Hiermee creëert hij intieme en sensuele stukken, die regelmatig vragen oproepen bij zijn bezoekers.

Zijn sculpturen zijn een eerbetoon aan de menselijke vorm, gedeeltelijk of volledig uit hun context getrokken, en knipogend naar oude meesters. Met zijn creaties vertelt hij verhalen en daagt hij de toeschouwers vaak uit om het bordje 'aanraken verboden' te negeren. Het grootste compliment voor hem: zijn sculpturen raken de ziel van mensen.

 

EN: Sculptor Walter Celis started his artistic career as draftsman, painter after completing his academic course. Soon he exchanged pencil and gum for hammer and chisel. Both his father and grandfather have been using the same tools, so this for sure contributed to the switch into 3 dimensions in the material stone and bronze. Walter has his studio in the of Antwerp, viewing a popular neighborhood, which results in creations. You will mainly find there rough blocks of Italian and Belgian Marble. Herewith he creates intimate and sensual pieces, which regularly raise questions with his visitors. His sculptures are a tribute to the human form, pulled partly or completely out of context, and often winking to old masters. With his creations, he’s telling stories, frequently challenging the spectators not to read the sign ‘forbidden to touch’. Biggest compliment for him : His sculptures are touching someone’s soul.

Max Gasparini - Oil painter whit mixed media -

 

NL: Na zijn expositie in 2020 verwelkomen we Italiaans kunstenaar Max Gasparini uit BeĢrgamo opnieuw in Thomas Gallery. Met zijn werken brengt hij een ode aan de Romaanse cultuur, het lichaam en de ziel.

De herinnering aan oude beschavingen komt in zijn werk tot leven in engelachtige vrouwengezichten die doordrenkt zijn van een vroeger bewustzijn. Het zijn de gezichten van de dochters van Mnemosyne en Zeus: de negen muzen die tot op de dag van vandaag de kunsten inspireren. Ze staan zij aan zij met lichamen die de herinnering dragen van pijn, herstel en genezing van wonden. Want kwaad raakt zelfs het mooiste en best gebeeldhouwde lichaam, wat het nog daarna nog fascinerender maakt.

We zien beschadigde en herstelde lichamen, littekens geheeld door kunst die de kwalen van het lichaam verzacht en de ziel voedt. De stilte en de ogen - gesloten of geopend - wisselen elkaar in Gasparini’s werk af met het geluid van geheelde wonden. Ook de geest ontbreekt niet, zij staat klaar om deze lichamen te omarmen. Ze is aanwezig, sluit soms haar ogen om beter te horen en opent ze weer om het sprookje van nieuw leven te onthullen.

 

Achter Gasparini's doeken voel je de zachte ruis van verstrooide weemoed, maar ook een geheime passie of verwachting die spoedig beantwoord zal worden. Daarom schuilt in deze werken leven. En hoewel we het zien, staan we stil, in afwachting van een magisch schouwspel. Gezichten en lichamen, uitgebeeld met gemengde technieken op jute, doek of metaal, lijken hier een rustpunt te vinden na angst, verlies van identiteit en het overwinnen van schuldgevoelens.

De toeschouwer beweegt zich tussen de herrezen resten van wezens die ooit leefden en zoekt zichzelf in die vergane dimensie. Welk gezicht en welk lichaam zullen wij ooit zijn? Het is de involutie die leidt tot vrijheid, ver voorbij het menselijke lichaam en gezicht, die alleen in de wereld van kunst tot leven komt.

 

EN: Following his exhibition in 2020, we are once again delighted to welcome Italian artist Max Gasparini from Bergamo to Thomas Gallery. Through his works, he pays tribute to Romanesque culture, the body, and the soul.

The memory of ancient civilizations comes to life in Gasparini's art, depicting angelic female faces infused with a primordial awareness. These are the faces of the daughters of Mnemosyne and Zeus: the nine muses who continue to inspire the arts to this day. They stand side by side with bodies bearing the memory of pain, recovery, and the healing of wounds. Evil touches even the most beautiful and well-sculpted bodies, making them even more fascinating.

Gasparini portrays damaged and restored bodies, scars healed by art that soothes the ailments of the body and nurtures the soul. The silence and the eyes - closed or open - alternate in Gasparini's work with the sound of healed wounds. The spirit is also present, ready to embrace these bodies. It is there, sometimes closing its eyes to listen better and opening them again to reveal the fairy tale of new life.

Behind Gasparini's canvases, you feel the soft rustle of scattered melancholy, but also a secret passion or expectation soon to be fulfilled. Life resides in these works. And while we see it, we stand still, awaiting a magical spectacle. Faces and bodies, depicted with mixed techniques on jute, canvas, or metal, seem to find solace after fear, loss of identity, and overcoming guilt.

The viewer moves among the resurrected remnants of beings that once lived, searching for themselves in that bygone dimension. What face and body will we ever be? It is the involution that leads to freedom, far beyond the human body and face, coming to life only in the realm of art.