NL:

Schilder van atmosfeer, licht, lucht en watervlaktes. Het werk van Benéitez is een venster naar de buitenwereld. Zijn vermogen om die magische momenten vast te leggen wanneer de eerste stralen van de zonsopgang verschijnen, of de laatste momenten van licht voor zonsondergang die hij vormgeeft tot een volledig eigentijds landschap, valt op. Om zijn schilderijen te kunnen aanschouwen, moet men spelen met afstanden. Van een afstand lijkt het een volledig abstract werk te zijn: we kunnen de kleurgradatie observeren, de afwisseling van licht en schaduw die een ritme geven dat ons richting geeft en ons oproept om naar de achtergrond van het landschap te gaan. Als we dichterbij komen, beginnen we te zien dat er een horizonlijn is waar bomen, huizen, lantaarnpalen en torens uitgesneden zijn. Vooral die Castiliaanse torens verspreiden zich door het gebied waar Benéitez zich beweegt. En uiteindelijk, al voor het werk, ontdekken we de accenten, die toetsen verf hier en daar handig geplaatst zodat de ogen van de toeschouwer van de ene naar de andere springen en langs die strook reizen die aarde en lucht scheidt. Over het algemeen van vierkant formaat, een van de kenmerken van Diego Benéitez's schilderijen is dat ze de leefruimte groter maken. Zoals we eerder zeiden, zijn ze echte ramen. Aan de andere kant zijn er de tekeningen. Kleiner van formaat en op papier, is de zorgeloze en joviale persoonlijkheid van deze kunstenaar meer evident. De vlek, de penseelstreek of de techniek veranderen, maar niet de essentie of de kwaliteit. Men kan zeggen dat Benéitez gedurfder is in deze sectie, waarin hij spuitbussen en het toevalsfactor opneemt, hij speelt met de achtergrond van het papier en meer contrasterende kleuren. Het resultaat zijn werken vol kracht die, soms, een hoger niveau van abstractie bereiken.

Eng :

Painter of atmosphere, light, air and water particles. Benéitez's work is a window to the outside world. His ability to capture those magical moments when the first rays of sunrise appear, or the last moments of light before sunset that he shapes into a totally contemporary landscape, stands out.

In order to contemplate his paintings one must play with distances. From a distance it seems to be a totally abstract work: we can observe the gradation of colours, alternation of lights and shadows that confer a rhythm that directs and calls us to advance towards the background of the landscape.

As we get closer we begin to see that there is a horizon line where trees, houses, lamp posts and towers are cut out. Especially those Castilian towers dot the territory through which Benéitez moves. And finally, already in front of the work, we discover the accents, those touches of paint here and there skilfully placed so that the eyes of the spectator jump from one to another and travel along that strip that separates earth and sky. Generally of square format, one of the characteristics of Diego Benéitez's paintings is that they have the capacity to make the living space bigger. As we said before, they are real windows.

NL:

Thomas Bossard, geboren in 1971 in Poitiers, Frankrijk, in een grote en creatieve familie, ontwikkelde al op jonge leeftijd een passie voor kunst. Zijn moeder stimuleerde deze interesse door hem mee te nemen naar verschillende musea, waar hij onder andere de werken van kunstenaars als Fernand Léger ontdekte. Tekenen werd zijn manier van communiceren, en zijn talent leidde ertoe dat hij Schone Kunsten ging studeren aan de universiteit.

Na zijn afstuderen verkende Bossard verschillende creatieve gebieden, waaronder publiciteit, illustratie, porseleinproductie en animatie en film. Uiteindelijk vond hij zijn roeping als scenograaf bij het Théâtre du Capitole in Toulouse. Ondanks dat hij niet van plan was kunstenaar te worden, waardeerde Bossard het uitoefenen van zijn verbeeldingskracht in elke bezigheid.

Zijn meer dan tien jaar durende dienstverband bij het Théâtre du Capitole liet een blijvende indruk achter. De levendige individuen daar, van zangers tot regisseurs, werden personages in zijn schilderijen. Ondanks zijn makkelijke aard voelde Bossard uiteindelijk de drang om onafhankelijk te creëren, wat hem deed besluiten het theater te verlaten.

Bossards werk wordt uniek beïnvloed door dans en culinaire kunst. Dans weerspiegelt herinneringen aan het zien van zijn dochter veranderen van een onhandig kind in een gracieuze balletdanseres, terwijl culinaire kunst een eerbetoon is aan zijn langdurige vriendschap met een chef in Toulouse. Ongeacht het onderwerp, injecteert Bossard zijn werken met humor en optimisme.

Zijn tentoonstellingen strekken zich uit over Parijs, Toulouse en verschillende locaties in heel Frankrijk, evenals in het Verenigd Koninkrijk, waaronder Londen, NEC Birmingham, Cambridge en Edinburgh.

Omschreven als een dichter, ondeugend, spottend, teder, ironisch, grappenmaker, eigenzinnig, licht en euforisch, drukken de schilderijen van Bossard een breed scala aan emoties uit. Zijn personages, met hun eenvoud en oprechte menselijkheid, creëren een geruststellende wereld die resoneert bij kijkers. Bossard combineert vaardig meesterschap in tekenen en schilderen met een speelse kijk op de wereld, waardoor hij ons uitnodigt in een epicurische wereld waar onschuld nog steeds een plaats inneemt.

In zijn artistieke reis voegt Bossard zich bij de groten der aarde zoals Daumier, Folon, Sempé, Buster Keaton, Jacques Tati en Pierre Etaix. Samen dragen ze bij aan het waarderen van lichtheid en bieden ze momenten van ontsnapping aan de vluchtigheid van het bestaan. Als een veer in de wind nodigen Bossards schilderijen ons uit om naar de hemel te kijken.

EN:

Thomas Bossard, born in 1971 in Poitiers, France, into a large and creative family, developed a passion for art at an early age. His mother nurtured this interest by taking him to various museums, where he encountered the works of artists like Fernand Léger. Drawing became his means of communication, and his talent led him to pursue Fine Arts at university.

After graduation, Bossard explored various creative fields, including publicity, illustration, porcelain production, and animation and film. Eventually, he found his calling as a scenographer at Théâtre du Capitole in Toulouse. Despite not setting out to be an artist, Bossard valued exercising his imagination in every occupation.

His tenure at Théâtre du Capitole, lasting over a decade, left a lasting impact. The vibrant individuals working there, from singers to stage directors, became characters in his paintings. Despite his easy-going nature, Bossard eventually felt the urge to create independently, leading him to leave the theater.

Bossard's work is uniquely influenced by dance and culinary art. Dance reflects memories of witnessing his daughter evolve from a clumsy child to an elegant ballet dancer, while culinary art pays homage to his long-standing friendship with a chef in Toulouse. Regardless of the subject, Bossard infuses his works with humor and optimism.

His exhibits span Paris, Toulouse, and various locations throughout France, as well as in the UK, including London, NEC Birmingham, Cambridge, and Edinburgh.

Described as a poet, mischievous, mocking, tender, ironic, prankster, offbeat, light, and euphoric, Bossard's paintings express a wide range of emotions. His characters, with their simplicity and genuine humanity, create a reassuring world that resonates with viewers. Bossard skillfully blends drawing and painting mastery with a playful perspective on the world around him, inviting us into an epicurean realm where innocence still holds a place.

In his artistic journey, Bossard joins the ranks of great artists like Daumier, Folon, Sempé, Buster Keaton, Jacques Tati, and Pierre Etaix. Together, they contribute to appreciating lightness and offer moments of escape from the ephemeral nature of existence. Like a feather in the wind, Bossard's paintings invite us to gaze at the sky.

NL:Uitvinden en beschrijven: een schat ontdekken en je innerlijke zelf op het doek leggen met verf. Dit is de artistieke reis die Séverine heeft ondernomen, waarvan haar kindertijd werd verlicht door het kustlicht van Bretagne. Geïnitieerd in de wereld van schilderen door haar grootvader op jonge leeftijd, vond Séverine puur plezier in het experimenteren met kleuren, een vreugde die tot op de dag van vandaag weerklinkt in haar kunstwerken. De invloed van haar grootvader blijft haar inspireren, zichtbaar in de explosie van kleur en serene beelden die de ziel kalmeren.

Séverines artistieke opleiding leidde haar naar de studie van grafiek en sierlijke schilderkunst aan het Institute Van der Kelen in Brussel. Hier dook ze in eeuwenoude methoden, leerde ze traditionele materialen aanraken, bewerken en imiteren. Na een periode gewijd aan opdrachtwerken voelde ze een natuurlijke en noodzakelijke drang om haar individuele expressie te vinden.

Kleur komt naar voren als de krachtbron in het werk van Séverine, terwijl ze experimenteert met verschillende onderwerpen: bewegende dieren, onderwaterwerelden en landschappen. Het keerpunt komt met abstractie, waar ze afstand neemt van traditioneel figuratief werk. In deze nieuwe expressie komen kleur en vorm samen om haar innerlijke visie op de natuur en haar elementen te vertegenwoordigen. Séverines kunst wordt een doek van emoties, een getuigenis van haar diepe verbondenheid met de wereld die ze portretteert.

EN:To invent and describe — to discover a treasure and lay bare your inner self on canvas with paint. This is the artistic journey undertaken by Séverine, whose childhood was bathed in the coastal light of Brittany. Initiated into the world of painting by her grandfather at an early age, Séverine found sheer joy in experimenting with colors, a joy that resonates in her artwork to this day. Her grandfather's influence continues to inspire her, evident in the explosion of color and serene images that soothe the soul.

Séverine's artistic education led her to study graphics and ornamental painting at the Institute Van der Kelen in Brussels. Here, she delved into ancestral methods, learning to touch, work, and imitate traditional materials. After a period dedicated to commissioned works, she felt a natural and necessary pull to discover her individual expression.

Color emerges as the powerhouse in Séverine's work as she experiments with different subjects—moving animals, aquatic worlds, and landscapes. The turning point arrives with abstraction, where she departs from traditional figurative work. In this new expression, color and form come together to represent her inner view of nature and its elements. Séverine's art becomes a canvas of emotions, a testament to her profound connection with the world she portrays.

NL: Geboren in Jaén, Spanje, in 1965, verhuisde de Marsay op jonge leeftijd naar Barcelona. Daar raakte hij betrokken bij de artistieke wereld van de stad en werd verliefd op Catalaanse en Spaanse schilders zoals Fortuny, Casas en Picasso. Vanuit Barcelona trok Thomas naar Madrid om Velazquez te bestuderen en uiteindelijk naar Parijs, waar hij woonde en zich verdiepte in de Franse schilderkunst. De Marsay woont en werkt nu in Sitges, Spanje.

De Marsay portretteert iconische personages — superhelden, beroemdheden uit de jaren 50, bekende filmpersonages en crooners. Hij geeft zijn zorgvuldige schilderijen textuur met delicate penseelstreken, waardoor zijn verwijzingen naar popcultuur en kunstgeschiedenis een aangrijpende intimiteit krijgen. Zijn kunst is een samensmelting van Spaanse, Catalaanse en Franse invloeden, en creëert zo een unieke mix die zijn diverse artistieke reis weerspiegelt.

Met zijn focus op iconische personages en zijn verfijnde penseelwerk overbrugt de Marsay de kloof tussen culturen en tijdperken, en creëert hij een visuele dialoog die resoneert met kijkers op een persoonlijk en nostalgisch niveau.

EN: Globetrotter and artist, Thomas de Marsay, was born in Jaén, Spain, in 1965. His journey in the world of art began when he moved to Barcelona at a young age, immersing himself in the city's vibrant artistic scene and developing a profound admiration for Catalan and Spanish painters like Fortuny, Casas, and Picasso. Eager to expand his artistic horizons, de Marsay moved to Madrid to delve into the works of Velazquez and later to Paris, where he delved into the realm of French painting.

Currently residing and working in Sitges, Spain, de Marsay draws inspiration from various cultural influences. His artwork is a fusion of Spanish, Catalan, and French artistic elements, creating a unique blend that reflects his diverse artistic journey.

De Marsay's artistic focus revolves around portraying iconic characters — superheroes, 50s celebrities, famous movie characters, and crooners. His meticulous paintings are textured with delicate brushstrokes, infusing his references to pop culture and art history with an affecting intimacy. Through his art, de Marsay bridges the gap between cultures and eras, creating a visual dialogue that resonates with viewers on a personal and nostalgic level.

NL: Myriam is opgroeit in een familie van schilders, schrijvers, en fotografen legde de basis voor een diepgaand begrip van de betekenis van kunst in het leven. Deze vroege blootstelling beïnvloedde haar interesse in tekenen, evenals haar studies van piano en fluit aan het conservatorium.

Op 10-jarige leeftijd ontdekte Myriam de beeldhouwkunst door de werken van grootmeesters Rodin en Camille Claudel, wat een diepe indruk op haar maakte. Door in de levens en werken van beeldhouwers te duiken, begreep Myriam dat de sculpturen veel geheimen over de persoon bevatten. Deze cruciale connectie tussen kunst, beeldhouwkunst, en psychologie zou haar artistieke reis vormgeven.

Na het voltooien van haar proefschrift in de psychologie leidde Myriams pad haar naar Spanje, waar ze opnieuw in aanraking kwam met beeldhouwkunst, ditmaal onder leiding van Salvador Manosa, een gerenommeerde Catalaanse beeldhouwer die haar mentor werd. Onder zijn leiding verfijnde ze haar vaardigheden gedurende meerdere jaren, waarbij ze zijn technieken overnam en ze vermengde met haar unieke stijl en talenten.

Vandaag de dag exposeert Myriam niet alleen haar beeldhouwwerken in heel Europa, maar werkt ze ook als kunsttherapeut voor kinderen, tieners, en volwassenen die uitdagingen het hoofd bieden. Haar therapeutische benadering integreert haar kennis van kunst, beeldhouwkunst, en psychologie. Werkend vanuit haar atelier in het hart van het Catalaanse platteland, beschouwt Myriam kunsttherapie als een middel van creatie dat individuen leidt naar zelfontdekking en verzoening met het leven. Ze ziet kunst als een prachtige brug tussen geleefde ervaringen en de ware essentie van een persoon, waarbij ze benadrukt hoe belangrijk het is dat deze circulatie plaatsvindt in dit transformerende proces.

EN: Myriam's upbringing within a family rich in painters, writers, and photographers fostered a deep understanding of art's significance in life. This early exposure influenced her interest in drawing, as well as her studies of the piano and flute at the conservatory.

At the age of 10, Myriam discovered sculpture through the works of grand masters Rodin and Camille Claudel, leaving a profound impression on her. Delving into the life and works of Camille, Myriam realized that the sculptures held many secrets about the woman herself. This realization marked a crucial connection between art, sculpture, and psychology that would shape Myriam's artistic journey.

After completing her thesis in Psychology, Myriam's path led her to Spain, where she encountered sculpture once again, this time under the guidance of Salvador Manosa, a renowned Catalan sculptor who became her mentor. Under his tutelage, she honed her skills over several years, inheriting his techniques while infusing them with her unique style and talents.

Today, Myriam not only exhibits her sculptures throughout Europe but also works as an art therapist for children, teenagers, and adults facing challenges. Her therapeutic approach integrates her knowledge of art, sculpture, and psychology. Operating from her studio nestled in the heart of the Catalan countryside, Myriam views art therapy as a means of creation that leads individuals to self-discovery and reconciliation with life. She sees art as a magnificent bridge between lived experiences and one's true essence, emphasizing the importance of its circulation in this transformative process.

NL: Hout beeldhouwer Joachim Seitfudem (Starnberg, 1987) groeide op in een kunstenaarsfamilie, waar zowel zijn vader als moeder respectievelijk beeldhouwer en schilder waren. Aanvankelijk wilde hij niets met het artistieke beroep te maken hebben - integendeel, hij probeerde er lange tijd van weg te blijven. "Maar kunst is als een ziekte, het zit in je en op een gegeven moment breekt het uit."

Zijn werken zijn zeer persoonlijk. In zijn beeldhouwwerken verwerkt Seitfudem zijn ervaringen, gedachten en avonturen. Na de dood van zijn moeder en een gevangenisstraf voor zijn betrokkenheid bij een overval en drugsmisdrijf, ontwikkelde hij een nieuw besef van tijd, vrijheid en dood. "Achteraf gezien heb ik juist door deze tragische ervaringen mijn ware potentieel ontdekt."

Joachim Seitfudem over zijn kunst: "Ik doe wat ik leuk vind, wat ik nog niet eerder heb gezien. Het kan me niet schelen of anderen het mooi vinden. Het doel is dat het intrigeert, of het nu positief of negatief is." "Recentelijk probeer ik nieuwe technieken en materialen te verkennen. Mijn nieuwe beeldhouwwerk 'Afstand' laat mijn bronstechnieken zien. Het werd gemaakt tijdens de eerste coronapandemie, toen mensen zich van alles en iedereen moesten distantiëren. Het beeldhouwwerk toont aan dat elke mens - ongeacht hun afkomst - verlangt naar nabijheid en aanraking. In wezen hebben we allemaal dezelfde verlangens."

EN:  Wood sculptor Joachim Seitfudem (Starnberg, 1987) grew up in a family of artists. His father is also a sculptor, his mother was a painter. He never wanted to pursue the artistic profession - on the contrary, he tried to distance himself from it for a long time. "But art is like a disease, you have it in you and at some point it breaks out of you." His works are very personal. In them Seitfudem processes his experiences, thoughts and adventures. After the death of his mother and a prison sentence for his involvement in a robbery and a drug crime - he developed a new sense of time, freedom and death. "In retrospect, it was only through these tragic experiences that I discovered my true potential." Joachim Seitfudem on his art "I do what I like, what I have not seen before. I do not care if others like it. The intent is that it intrigues, whether it is positive or negative.” “Recently I have been trying to explore new techniques and materials. My new sculpture 'Distance' shows my bronze techniques. It was made during the first corona pandemic, when people had to distance themselves from everything and everyone. The sculpture shows that every human being - regardless of their origin - craves closeness and touch. In essence, we all have the same desires.”

NL: Beeldhouwer Walter Celis begon zijn artistieke carrière als tekenaar en schilder na het voltooien van zijn academische opleiding. Al snel ruilde hij potlood en gum in voor hamer en beitel. Zowel zijn vader als grootvader gebruikten dezelfde gereedschappen, wat ongetwijfeld bijdroeg aan de overstap naar driedimensionale kunst in steen en brons.

Walter heeft zijn atelier in Antwerpen, gelegen in een populaire buurt, wat resulteert in creaties die gedijen op het uitzicht op de stad. In zijn atelier vind je voornamelijk ruwe blokken Italiaans en Belgisch marmer. Hiermee creëert hij intieme en sensuele stukken, die regelmatig vragen oproepen bij zijn bezoekers.

Zijn sculpturen zijn een eerbetoon aan de menselijke vorm, gedeeltelijk of volledig uit hun context getrokken, en knipogend naar oude meesters. Met zijn creaties vertelt hij verhalen en daagt hij de toeschouwers vaak uit om het bordje 'aanraken verboden' te negeren. Het grootste compliment voor hem: zijn sculpturen raken de ziel van mensen.

EN: Sculptor Walter Celis started his artistic career as draftsman, painter after completing his academic course. Soon he exchanged pencil and gum for hammer and chisel. Both his father and grandfather have been using the same tools, so this for sure contributed to the switch into 3 dimensions in the material stone and bronze. Walter has his studio in the of Antwerp, viewing a popular neighborhood, which results in creations. You will mainly find there rough blocks of Italian and Belgian Marble. Herewith he creates intimate and sensual pieces, which regularly raise questions with his visitors. His sculptures are a tribute to the human form, pulled partly or completely out of context, and often winking to old masters. With his creations, he’s telling stories, frequently challenging the spectators not to read the sign ‘forbidden to touch’. Biggest compliment for him : His sculptures are touching someone’s soul.

NL: Na zijn expositie in 2020 verwelkomen we Italiaans kunstenaar Max Gasparini uit Bérgamo opnieuw in Thomas Gallery. Met zijn werken brengt hij een ode aan de Romaanse cultuur, het lichaam en de ziel.

Achter Gasparini's doeken voel je de zachte ruis van verstrooide weemoed, maar ook een geheime passie of verwachting die spoedig beantwoord zal worden. Daarom schuilt in deze werken leven. En hoewel we het zien, staan we stil, in afwachting van een magisch schouwspel. Gezichten en lichamen, uitgebeeld met gemengde technieken op jute, doek of metaal, lijken hier een rustpunt te vinden na angst, verlies van identiteit en het overwinnen van schuldgevoelens.